Eric Villagordo, présentation HDR (soutenue le 15 octobre 2020)

Eric VILLAGORDO, Maître de conférences en arts plastiques à l’Université Paul Valéry, Montpellier 3, membre du RIRRA21

eric.villagordo@univ-montp3.fr

Parcours de recherche : ITINÉRAIRE D’UN PLASTICIEN, SOCIOLOGUE DE L’ART. SOCIOLOGIE DES ARTISTES, APPRENTISSAGE DE L’ART, SOCIOLOGIE DE LA BANDE DESSINÉE

(Volume I de l’HDR, 195 p.)

Manuscrit inédit : LA FABRIQUE DE L’ARTISTE ÉLITISTE. INÉGALITÉ DE CLASSE, DE GENRE, DE TERRITOIRE (Volume II, 574 p.)

Champs de recherche principaux : Sociologie des artistes, sociologie de l’éducation à l’art et à la culture, sociologie de la bande dessinée

Date de soutenance :  15 octobre 2020 à l’Université Paris I-Panthéon Sorbonne

Composition du jury :

Présidente : Christine DÉTREZ (rapporteure), Professeure de Sociologie à l’École Normale Supérieure de Lyon

Garant : Jean-Marc LACHAUD, Professeur en Esthétique à Paris I-Panthéon Sorbonne

Membres du Jury :

Florent GAUDEZ, Professeur de sociologie à l’Université Grenoble Alpes

Jacinto LAGEIRA, Professeur d’Esthétique à l’Université Paris I-Panthéon Sorbonne

Olivier LUSSAC, Professeur d’Esthétique/arts plastiques à l’Université de Lorraine (Rapporteur)

Bruno PÉQUIGNOT, Professeur émérite de sociologie à l’Université Paris3-Sorbonne Nouvelle

Mots Clefs : Sociologie des artistes, position sociale des artistes, élitisme de l’art, socio-histoire des artistes, processus de création, sociologie de la bande dessinée, éducation à l’art et à la culture.

Résumé : Ces travaux retracent un parcours réparti sur trois axes de recherche : sociologie et socio-histoire des artistes, apprentissage de l’art et de la culture, sociologie de la bande dessinée. Les quatre disciplines convoquées sont : les arts plastiques (pratiques et théories de l’art), la sociologie de l’art, l’Esthétique (Philosophie et théories de de l’art), les sciences de l’éducation. L’itinéraire du chercheur s’est dans un premier temps constitué par des observations, puis observations participantes du processus de création des artistes : observations d’artistes au travail, observations participantes dans le cadre de préparations d’expositions, d’œuvres, d’installations vidéo, d’installations d’environnements. L’immersion également, comme commissaire d’expositions, permit la compréhension de la posture d’intermédiaire culturel. Par ailleurs, dans un second temps quasi-parallèle, la recherche en éducation culturelle et artistique, en tant que formateur d’enseignants de primaire, de secondaire et notamment pour la discipline des arts plastiques, a suscité une approche inter-disciplinaire autour de la naissance de la culture chez les élèves ; notamment dans la rencontre avec les œuvres, sorte d’expérience première du regard en phase de socio-construction, autrement dit premier apprentissage des pratiques culturelles socialisées. Rencontrer une œuvre participe à la construction du sujet social, par ses émotions, sa prise de parole dans le groupe, ses jugements de valeurs : cet ensemble construit son identité (dans un débat permanent entre socialisation primaire et secondaire). Des travaux sont relatés quant à l’élaboration de la catégorie d’objet nommé œuvre d’art, trop souvent considérée comme allant de soi à l’école, dans le secondaire ou à l’université. Se poser la question de l’art, concrètement par l’expérience d’une œuvre, est une entrée anthropologique dans la culture, pour peu que l’on veuille bien relier cette entrée, aux multiples œuvres moins classiques, connues des élèves, étudiants, spectateurs (aux œuvres dites de l’industrie culturelle). Par la relation entre les œuvres du patrimoine légitimé et les œuvres contemporaines issues de la pop-culture, il est possible d’échafauder des méthodes éducatives pour faire mieux comprendre ce qu’est la culture pratique, c’est-à-dire la circulation entre des objets, des pratiques, des expériences. Notamment à l’aide de l’enquête culturelle, dispositif pédagogique et ludique à mener en groupe, avec un éducateur, qui interroge la relation socio-historique et socio-culturelle entre par exemple, un dessin animé, une bande dessinée et une peinture historique, un roman, un témoignage d’époque, une tapisserie, une architecture et une œuvre musicale. Si ces œuvres, évoquant un personnage ou un événement (de Pocahontas, aux « découvertes » de Christophe Colomb en passant par le mythe de Vercingétorix) se recoupent, elles sont souvent produites dans des époques, objectifs, perspectives différentes. Ces écarts permettent d’être explorés par cette méthode de l’enquête culturelle, une mise en action de la recherche concrète, qui incarne la dimension culturelle des arts, des images, des musiques, etc. La culture est une circulation, les comparaisons permettent de resituer les œuvres dans une frise chronologique problématisée, l’apprentissage de l’art et de la culture se faisant de manière active. Enfin l’itinéraire de chercheur, évoque dans un troisième temps le retour comme objet d’investigation, de la bande dessinée dans la vie d’un universitaire qui n’avait pas pour intention ce retour d’une passion d’enfance. En retraçant la fluctuation de son propre rapport à la bande dessinée, du loisir à l’objet de recherche, de l’illustré dans des revues populaires à la reconnaissance éditoriale et cinématographique actuelle (pour les comics notamment), le parcours de recherche fait apparaître la bande dessinée comme un médium artistique en ascension culturelle de légitimation jamais terminé, ce qui laisse sceptique sur un rattrapage qui ne se conclue pas, et l’on constate que la BD est toujours un sujet de recherche difficile à imposer au sein de l’université française. Les rapports entre le politique et la bande dessinée sont abordés (notamment autour des publications réagissant au 11 septembre 2001), ainsi que la question du genre dans les comics états-uniens.

Le parcours de recherche essaie de mettre en perspective les trois domaines de recherche, en observant que la sociologie des artistes s’interroge sur leur propre formation culturelle, et recoupe par là la question du rapport à la culture des artistes eux-mêmes. Enfin le retour analytique sur les premiers contacts culturels de l’enfance, chez le chercheur et futur professeur d’arts plastiques, montrent combien, sans s’en rendre compte, l’attention portée à la relation entre un art populaire des comics a permis la connexion avec un art de la peinture légitime de la Renaissance italienne. Ce « pont » culturel trouvé dans l’enfance, en quelque sorte entre l’esthétique des comics montrant des super-héros musculeux, et les peintures de la Sixtine de Michel-Ange, aux personnages nus et non moins musculeux, apporte la preuve que les arts de la figuration (de même que tout type d’images, de musiques, de films, de narrations visuelles, de pratiques corporelles) permettent, si on n’attend pas le hasard, des passages entre tous les mondes culturels, plus ou moins légitimes, ou légitimés. Les industries culturelles devraient sans cesse être croisées, dans les apprentissages à l’art et à la culture, au sein de nos établissements de formation et d’éducation.

Le manuscrit inédit termine peut-être la recherche d’une sociologie de l’artiste débutée dans les années 1995-2000. Il s’est agit après des enquêtes sur une école d’art (Bordeaux), puis une enquête sur des artistes (en région Languedoc-Roussillon) et leurs processus de création, qui donna lieu à un doctorat (2004, Paris I-Panthéon Sorbonne), de prolonger par des observations participantes la compréhension de la boîte noire de la création. Il fallait ressentir l’habitus de l’artiste, pour notamment comprendre les contradictions de l’artiste dans notre monde contemporain. Par-là, et en relatant des expériences de terrain, en observant la cohérence des esthétiques et des canons incorporés de l’art (dans un pas de deux presque sans parole avec l’artiste Philippe Domergue, j’ai pu ressentir tous les codes, et toutes les sensibilités incorporées liées aux installations, images, problématiques artistiques). La réflexion dès lors, à partir des pratiques régulières, du suivi de la carrière de cet artiste (concours, résidence d’artistes, rédaction d’appels à projet, réalisations d’œuvres, d’expositions, vie associative, valorisation de l’atelier de l’artiste par des événements culturels, conférences en duo, etc.), a permis l’élaboration en huit chapitres d’une sociologie de l’artiste à la fois dans le contemporain et la longue durée. Dans un premier chapitre, tout d’abord à travers la question de l’invisibilité de la grande majorité des artistes, au regard des ambitions de grandeur ; puis en relatant dans un second chapitre la fabrique socio-historique élitiste de l’artiste, dans le sens où les artistes pour diverses circonstances et raisons socio-économiques se sont extraits de l’artisanat pour se rapprocher des élites intellectuelles et économiques, quelles que soient les périodes historiques (après la Renaissance, et la rupture avec les corporations d’artisans) ; dans un troisième temps la relation entre goûts esthétiques et luttes des classes et pointée ; cela découle dans un quatrième chapitre sur une interrogation de la dimension politique des artistes, suite à ces ruptures sociétales essentielles. Il est donné ensuite à voir, dans un cinquième chapitre, concrètement par un terrain d’enquête, l’acte en action de création d’une œuvre politisée (Exil(s), Domergue, Villagordo, installation, installation vidéo, 2018) : le processus révélant les contradiction permanentes de ce type d’actions artistiques, qui peut-être pour exister, doit se couper du monde de l’art, pour aller vers le monde de l’éducation. Dans un sixième moment la possibilité d’une théorie de l’artiste est envisagée du point de vue de l’Esthétique. Enfin, les deux derniers chapitres vont se demander qui s’autorise à être artiste aujourd’hui ? au regard des inégalités de genre, de diplôme, de race, de classe et de territoire. La question du centre de l’art et de ses périphéries ne semble nullement obsolète, malgré la globalisation et les nouvelles technologies. Comme, malgré le grand nombre d’étudiantes en arts, la question des inégalités de genre dans l’accessibilité à la notoriété symbolique artistique et/ou la valorisation financière des œuvres, reste malheureusement toujours d’une réalité brûlante. De bien des façons, la fabrique de l’artistes élitiste est toujours en marche, quels que soient les processus de formations (écoles d’art, université d’arts, publiques ou privées). De toutes récentes études confirment les conclusions de cet inédit dont l’écriture s’est achevée en 2019.